¿Qué tenemos?

• Una historia basada en hechos reales: los asesinatos de Snowtown.
• El primer largometraje del director, Justin Kurzel.
• Una interpretación magnífica de Lucas Pittaway (Jamie) y de Daniel Henshall (John Bunting).
• Un retrato íntimo y realista de los personajes.
• Una cinematografía brillante.
• Una película dura de ver, oscura.

¿Qué no tenemos?

• Una película convencional.
• Una historia completamente explicada (da por conocidos muchos hechos).
• Un grupo de actores con experiencia.

¿Cuál es el resultado?

Una película oscura, difícil de ver y sobre todo de seguir si no se está familiarizado con el caso. Alejada del sensacionalismo, la película se centra en la perspectiva de Jamie y en cómo vivió su relación con el asesino. La enfermedad de su madre, el abuso de su hermano, las pocas perspectivas de futuro… parecen ahogarlo. La aparición de John parece traer algo de luz a su vida. Amigo de la familia, John empieza una relación íntima con su madre, y la relación con Jamie se vuelve cada vez más paternal. Será su guía, su mentor. Pero poco a poco Jamie se va adentrando en un mundo turbio y oscuro, donde la esperanza es al mismo tiempo su temor. Daniel Henshall (John) hace un papel brillante en el que equilibra magníficamente la dualidad de su personaje: carismático, popular, convincente y a la vez sin ningún tipo de empatía hacia la vida. Hay que destacar la escena del perro, momento clave de la película, que intenta transmitir un conocimiento imposible de entender para una persona sin psicopatía. Lucas Pittaway (¡se parece a Messi!) hace un papel magistral y genera empatía en el espectador. Hay alguna escena de violencia explícita con algunas de las víctimas. Aunque resulta bastante repulsiva, no representa el tono general de la película ni es en absoluto su eje central. No se intenta dar respuestas con la película ni justificar ninguno de los crímenes. Es un retrato en segundo plano de los hechos, de las emociones y de las relaciones de los personajes, que arroja luz sobre el perfil del asesino sin entrar en muchos detalles de los asesinatos ni de las causas. Es cierto que a raíz de la película se hizo pública más información sobre el caso. Es recomendable familiarizarse con la historia antes de verla: hay muchas suposiciones en el guion difíciles de conocer para los no australianos (fue un caso muy mediático) que pueden hacer la película aburrida y difícil de seguir.

Velo si te interesan los crímenes, conoces el caso o sientes curiosidad por los asesinos en serie. Desde esa perspectiva es fenomenal. Si no conoces el caso, es muy recomendable familiarizarse con el documental The Bodies in the Barrels, que lo analiza. Como película es técnicamente brillante y muy interesante, pero sin conocimiento previo de los hechos resulta compleja de seguir. Difícil de ver, sobre todo si esperas cine convencional. Del estilo de Ed Gein, oscura y cruda como la brillante Henry, retrato de un asesino.

Muy recomendable, dura y oscura.

El rey Hiperión ha declarado la guerra a la humanidad. Busca el arco de Epiro por toda Grecia, un arma de gran poder que le permitiría liberar a los titanes encarcelados por los dioses en el monte Tártaro. Las leyes no permiten a los dioses intervenir directamente en los conflictos de los humanos. Pero Zeus ha estado preparando en secreto a Teseo, un mortal que guiará la batalla contra Hiperión…

¿Qué tenemos?

• Una producción de presupuesto elevado.
• Unos efectos muy trabajados y una fotografía elitista.
• Un director, Tarsem Singh, caracterizado por los efectos visuales de sus películas (La celda o la magnífica The Fall (El sueño de Alejandría)).
• Una adaptación muy libre de la mitología griega.

¿Qué no tenemos?

• Un guion inteligente ni una historia consistente.
• Precisión histórica (a cambio de ganar en estética).

¿Cuál es el resultado?

Un espectáculo visual sostenido por imágenes y colores de impacto más que por una historia o un guion. El punto de partida es simple y claro: se identifican los buenos, los malos y los que lo controlan todo. Los personajes están bien interpretados, pero el guion no da mucho de sí. De hecho, hay momentos rayanos en el ridículo salvados solo por la elección de los colores. Ese es su punto fuerte, la imagen: la viste como una gran producción y visualmente es espectacular. Recupera el estilo de 300 (mismo productor), incorporando alguna novedad en las escenas de acción, ralentizando la velocidad y grabando en mayor definición. Queda lejos en términos de historia, empatía con los personajes o ritmo. Y es que Immortals es una película visual recreada a partir de elementos de la mitología griega, en la que impera la estética por encima de cualquier otro factor. Los resultados cinematográficos son espectaculares, pero el coste en interés y en consistencia del guion se nota. Como si la película se hubiera concebido en torno a una estética preconcebida, y no al revés. Resultado mediocre.

Velo si eres fan del director, si eres diseñador gráfico o si buscas que te deslumbren visualmente. Si eres fan de la mitología griega, no esperes una historia fidedigna y rigurosa. En la línea de Furia de titanes o incluso Prince of Persia: Las arenas del tiempo. Si te importa lo visual por encima de todo, te interesará.

Se deja ver, oscura y colorida.

¿Qué tenemos?

• Una película extraña y deliciosa, contada de forma inusual y centrada en la historia de los personajes.
• Un tour de force de Tilda Swinton, maravillosa, que carga con el peso de la película.
• Un Kevin magníficamente interpretado por los dos jóvenes actores Jasper Newell y Ezra Miller.
• Una banda sonora (a cargo de Jonny Greenwood, de Radiohead) y una fotografía que encajan a la perfección.
• Un guion que interesa, profundiza, experimenta y hace pensar. Basado en el best seller del mismo título de Lionel Shriver.

¿Qué no tenemos?

• Efectos especiales, acción, ritmo frenético.
• Un presupuesto elevado.
• Un planteamiento convencional.

¿Cuál es el resultado?

Una pequeña joya. De esas películas que cuesta volver a ver pero que, si lo haces, te descubren más detalles. Bajo el pretexto de un caso como el de Columbine, se nos presenta la historia del trágico final de una familia, la trayectoria que los llevó a unos hechos espeluznantes. La película se centra en la constante revisión de una madre que intenta entender cómo ha llegado a la situación en la que se encuentra, con su hijo en prisión tras cometer una masacre. El ritmo es lento, interesante y misterioso de una manera extraña. El rojo es constante. El presente se nos va mostrando con reiterados flashbacks hacia el pasado, siempre desde los recuerdos de la protagonista, que no oculta un sentimiento de culpa y a la vez de incomprensión. La imagen que se nos presenta de Kevin queda desvirtuada por la concepción frustrada, desolada y de incomprensión que ella tiene. El interés del espectador es constante. Tenemos que hablar de Kevin es un retrato de una familia desestructurada, un niño con problemas y unos padres que no saben cómo afrontarlo. ¿Es culpa de la madre, que no ha sabido tratar a su hijo? ¿O quizá del padre, incapaz de darse cuenta del problema? ¿Hay algo que hacer con un hijo así? Curiosamente, aunque el título diga «Tenemos que hablar de Kevin», en toda la película sus padres no hablan de él.

Velo un día en que puedas ponerte a ello, porque requiere concentración. Por la temática recuerda a Elephant, solo que aquí la protagonista es la madre. El estilo en el desarrollo de los personajes y la crudeza de los hechos, sobre todo por la naturalidad con la que suceden, recuerdan a Redención (Tyrannosaur).

Muy recomendable, no para todo el mundo.

¿Qué tenemos?

• Un director debutante en la gran pantalla, que además coescribe el guion.
• Actores reconocidos: Rebecca Hall (Vicky, la morena de Vicky Cristina Barcelona), Dominic West (protagonista de la grandísima The Wire y de 300) e Imelda Staunton (la profesora mala de Harry Potter y la Orden del Fénix, más destacable en la reciente Another Year).
• Una clásica historia de fantasmas que os parecerá haber visto antes.
• Película publicitada como de terror y escrita como de misterio.
• Algún sobresalto.

¿Qué no tenemos?

• Una gran historia, innovación, sorpresa.
• Terror.
• Un guion consistente.

¿Cuál es el resultado?

Una película bien hecha pero fácilmente olvidable. Los actores trabajan bien: Rebecca Hall es creíble en un papel algo enrevesado y muy cambiante, y lleva el peso de la historia. Dominic West es convincente, aunque a veces parece cómico, y deja la duda de si es realmente intencionado (tiene gracia su tartamudeo). Imelda Staunton es quizá la más consistente en su interpretación. De hecho, su personaje va mejorando y ella lo engrandece en pantalla. Mención especial para Isaac Hempstead Wright, el niño, un papel difícil muy bien ejecutado. El contexto es inmejorable, ayuda mucho a la fotografía y facilita la estética de la película, muy agradable de ver. La cinematografía es simple y segura, nada arriesgada ni innovadora. El problema del conjunto es que no es consistente. Más que una historia original, parece una mezcla de otras películas: primeros planos con imágenes de fondo borrosas donde hay apariciones, un personaje atormentado que no entiende la realidad, secundarios que saben más de lo que dicen, niños fantasma… Es como una película que ya has visto pero que no recuerdas. Después están los giros, o intentos de giro: demasiados y forzados. Es fácil distraerse intentando adelantarse. De hecho, condicionan el guion y dejan algunos agujeros inconsistentes. Parece, pues, que el director novel ha construido una película en la que destaca más la fórmula que el contenido, aunque demuestra aptitudes en muchas áreas. Aun así, la película se puede ver y es agradable a la vista, sobre todo por el contexto inmejorable.

Un debut en el que el director apunta maneras: hace una película visualmente atractiva pero que no deja ningún sabor de boca.

Velo una noche de terror suave con tu pareja, o si no te gustan las películas de terror: no hay imágenes desagradables, todo lo contrario. En la línea de El orfanato, El espinazo del diablo o Darkness. Para más terror y menos estética, Insidious. Mejor, Los otros.

Pasable e insípida.

¿Qué tenemos?

• Una película de corte realista, con mucho suspense y acción, protagonizada por un virus.
• Un director caracterizado por las películas inteligentes y los temas sociales (Traffic, Erin Brockovich).
• Un reparto de lujo: Matt Damon, Gwyneth Paltrow, Laurence Fishburne, Jude Law, Marion Cotillard, Kate Winslet…
• Un debate social, político, biológico y, sobre todo, personal.
• Un presupuesto elevado.

¿Qué no tenemos?

• Inconsistencias destacables (al menos en el guion).
• Una película de ritmo lento.
• Un discurso demagógico o poco elaborado.

¿Cuál es el resultado?

Una película impactante, de ritmo trepidante, en la que pasan muchas cosas a la vez, se abren muchos frentes y coinciden muchas historias. Aunque está centrada en Estados Unidos, es una epidemia de alcance mundial y la película transmite esa sensación constantemente. Para situar los distintos escenarios, el director se ayuda de planos generales de ciudades, con su nombre y su número de habitantes, para representar la magnitud y la velocidad de la tragedia: simple y efectivo. El drama aparece en su justa medida, con tiempo suficiente para conectar con los personajes y sin morbo. Hay espacio para el debate científico y político, la crítica social y los medios de comunicación. Para la empatía. No es una película con mensaje: se presentan unos hechos que el espectador puede valorar. Sin duda intenta ser realista y lo consigue. ¿Alarmista? ¿Catastrofista? Depende de cómo se interprete, pero no parece ser la intención. Dejando de lado el rigor científico (que yo no puedo evaluar), busca objetividad y coherencia en las consecuencias. Lo que muestra es la fragilidad de una especie, cómo la más inocente de las casualidades podría acabar con toda una raza. Cómo son los mismos hábitos que hacen avanzar nuestro mundo los que pueden destruirnos. Cómo en situaciones desesperadas aparece el instinto de supervivencia, positivo o negativo según las personas. Cómo el miedo se extiende más rápido que los virus… En definitiva, una película para reflexionar.

Es una versión más actualizada de Estallido con la acción de la brillante Doce monos. El nivel técnico es alto y realista para los que no entendemos de biología. El guion, aunque muy elaborado y de ritmo frenético, es fácil de seguir.

Velo si quieres pasar un buen rato, si quieres reflexionar o si te gustan las películas mencionadas. Si tienes curiosidad por saber qué pasaría si ocurriera lo que decían que podía ocurrir con la gripe porcina. ¿Qué harían los gobiernos, la comunidad científica, la gente, los medios de comunicación? ¿Cómo reaccionaría el mundo? Hay un poco de todo, sin profundizar demasiado. No la veas si estás angustiado o estresado.

Recomendable, muy interesante.

¿Qué tenemos?

• Roland Emmerich (Godzilla, Independence Day), director de grandes producciones, efectos especiales y presupuestos astronómicos.
• Una historia que parte de una controversia pero que se desarrolla en torno a la sucesión al trono de Isabel I.
• Actores eficaces: Rhys Ifans (os sonará de Notting Hill o de la magnífica Radio encubierta) y Vanessa Redgrave (Regreso a Howards End).
• Una fotografía agradable de ver.
• Unos efectos especiales innecesarios.

¿Qué no tenemos?

• Precisión histórica en los detalles.
• Credibilidad del director (sensacionalismo en El día de mañana, investigación histórica en la aburridísima 10.000 a.C.).

¿Cuál es el resultado?

Un producto que intenta destacar en muchas facetas y acaba siendo mediocre en casi todas, con algunos fragmentos rescatables. Conviene dejar claro que no es un documental, aunque empiece como tal. Los hechos que presenta son una reinterpretación independiente de la historia para justificar la confusión sobre la autoría de las obras de Shakespeare. ¿El problema? Pues que no se sabe cuál es el público adecuado. Yo identifico dos tipos: los oxfordianos y el resto. Si eres oxfordiano, casi seguro que te gustará. Si no lo eres pero conoces la historia, probablemente te irritará. Hay algunas imprecisiones y hay que concederle mucho crédito al guion. El guion no ilustra ni resulta creíble. Si le quitamos la capa de conocimiento histórico previo (el que tiene la mayoría del público), queda una película de poca sustancia y interés decreciente. Cuesta de seguir porque da por sabida mucha información.

Eso sí, las actuaciones son sólidas, especialmente la de Rhys Ifans como conde. La escenografía es inmejorable (la reconstrucción del Globe original es espectacular), incluso la recreación de cómo debían de representarse las obras de la época en el teatro. Esos momentos en pantalla son sublimes. La trama que sostiene la historia despierta interés, pero no se puede apreciar del todo: tiene demasiadas suposiciones históricas. Se nos presenta a un conde ensalzado y a un Shakespeare caracterizado hasta el ridículo, quizá una exageración. Más rigor histórico reforzaría la credibilidad; es difícil distinguir qué es verdad y qué no. En definitiva, queda una pieza estrictamente de entretenimiento que desvirtúa el espíritu de la pregunta original: ¿fue Shakespeare un fraude? No lo sé, pero la película sí lo es.

Velo si eres fan de Shakespeare, si te interesa la teoría de Oxford, si te gustan los sensacionalismos o si no te dormiste con 10.000 a.C. Con una investigación histórica previa puede resultar interesante y tiene algunos momentos brillantes. Como ficción histórica, es mucho mejor la magistral Amadeus.

Producto tragable.

¿Qué tenemos?

• París según un Woody Allen muy afinado.
• Una comedia romántica contada en forma de cuento.
• Una interpretación magistral e inesperada de Owen Wilson.
• Un viaje fantástico por el París de 1920.
• Surrealismo, con cameo incluido de Carla Bruni.

¿Qué no tenemos?

• Efectos especiales.
• Una historia aburrida.

¿Cuál es el resultado?

Una pequeña y pintoresca obra de arte del director. Sin pretensiones: el guion, aunque muy afinado, no es lo más destacable. Los actores, aunque sobresalen las interpretaciones de Owen Wilson (hay momentos en que parece el mismísimo Woody Allen), Corey Stoll (impresionante como Hemingway) y Adrien Brody (buscando el acento de Dalí), no son los más glamurosos. La historia, aun sin ser perfecta, es cautivadora. Pero todo junto constituye una película mágica, agradable de ver, que engancha y se disfruta. La cinematografía se centra en resaltar la belleza de la ciudad y de los personajes, jugando muy bien con los colores y los tonos para diferenciar pasado de presente (parece que Woody Allen ha experimentado con un formato digital distinto para esta película). Tiene algo de cuento: sencillo, sin complicaciones, con fantasía. Un guiño simpático, cómplice con el París de los años 20, que muestra mucha admiración. También hay algunas pequeñas perlas para la reflexión, marca del director: amor, felicidad, sueños, pasado. Pero sobre todo hay mucho, muchísimo homenaje a la cultura parisina de principios del siglo pasado: veremos a Hemingway, Picasso, Dalí, Toulouse-Lautrec, Degas, Matisse, Gauguin… todos ellos con algo que aportar. Mucha atención al papel de Marion Cotillard, no solo por su deliciosa interpretación sino por el personaje en sí, muy interesante. A veces parece encarnar el espíritu de la ciudad de París, mirando al pasado en lugar de al futuro. La película explota la nostalgia, la idea de un pasado mejor o de épocas en las que te habría gustado vivir. Es sobre todo un viaje en el tiempo por una ciudad que enamora, un ensayo sobre cómo trabaja la mente de un artista en busca de inspiración. Inspiración presentada en forma de cuento, una historia de amor con una ciudad, una época, una manera de ver las cosas. Y es que a veces una mirada al pasado ayuda a reencontrarte contigo mismo en el presente.

Velo como comedia romántica, con tu pareja, para una noche de fantasía. Fans de Woody Allen: recupera en parte aquel tipo de guion, como el de Manhattan, que lo definió como guionista. Buscadores de comedias románticas, os gustará. En la línea de Antes del amanecer, pero en clave de cuento.

Recomendable, surrealismo dulce.

¿Qué tenemos?

• Una película dirigida por Steven Spielberg, rodada digitalmente, renderizada en 3D y animada por los estudios de Peter Jackson.
• Una historia basada en las aventuras de Tintín, un tributo a la obra (el dibujante que le hace el retrato a Tintín en la primera escena está caracterizado como el propio Hergé).
• Un director y un productor fans del personaje.
• Un proyecto largo, que comienza en 1983 con la adquisición de los derechos de Tintín por parte de Spielberg.
• La primera película de la trilogía de un proyecto ambicioso: recrear el mundo ideado por Hergé.

¿Qué no tenemos?

• Una reproducción literal de El secreto del Unicornio.
• Un 3D injustificado.
• Referencias políticas ni crítica social.

¿Cuál es el resultado?

Una película de animación trabajada, hecha con esmero, con un 3D que aporta profundidad y realismo a la escenografía y a las escenas de acción. Los paisajes son espectaculares. El guion transmite el misterio y despierta la curiosidad que encontrábamos en el cómic. Los personajes respetan la esencia del original: Tintín es curioso, inteligente, valiente, justo y aventurero; Milú es el perro que siempre lo acompaña y lo ayuda en todo lo que puede; Hernández y Fernández mantienen la torpeza y el sentido del deber que los caracterizan; y el capitán Haddock… bueno, ¡es el capitán Haddock! Incluso físicamente las caracterizaciones son muy acertadas (a pesar del rostro asexuado de Tintín). El guion está basado en El cangrejo de las pinzas de oro, El secreto del Unicornio y El tesoro de Rackham el Rojo, lo que puede llevar a los más críticos a confusiones sobre la fidelidad de la historia, ya que el título apunta solo a uno de los tres.

Para los que no estéis familiarizados con Tintín, aquí encontraréis misterio y aventuras del personaje, mezclados con momentos de mucha acción. Ya en 1981 se comparó con En busca del arca perdida (fue entonces cuando el director se interesó por él); hay semejanzas, así que, si te gustan las películas de este estilo, puede interesarte. Apunta a un público juvenil (como el cómic), aunque la trama es lo bastante interesante para los adultos también (sobre todo para los nostálgicos). A pesar de ser de animación, no la recomendaría para los más pequeños.

La película es entretenida y, como introducción al mundo de Tintín, una maravilla. Parece, pues, que Hergé tenía razón cuando dijo que «Spielberg es el único que podría hacerle justicia a Tintín». Veremos qué hace con la segunda el próximo director, Peter Jackson: las bases ya están definidas.

Muy recomendable, nostalgia renovada.

¿Qué tenemos?

• Una película dirigida a adolescentes, pensada para entretener, impresionar y emocionar a pequeños y mayores.
• Efectos especiales muy realistas, tan bien hechos que parece que no están.
• Productores de renombre (Spielberg, Zemeckis), de los que a veces aportan magia al cine.
• Actores populares que encajan muy bien en sus papeles.
• Una película sencilla, previsible y fácil.

¿Qué no tenemos?

• Pretensiones en el guion: ni complicaciones, ni crítica social o tecnológica.
• Personajes profundos ni una historia innovadora.

¿Cuál es el resultado?

Un producto fácil de digerir y entretenido, de los que se pueden ver muchas veces. El guion tiene los robots (y los efectos) de Transformers y algo de la sensibilidad de E.T., el extraterrestre, pero sobre todo recuerda a dos películas de Stallone: Yo, el halcón (la del camionero que echa pulsos con su hijo al lado; ¡seguro que la habéis visto!) y Rocky IV (la del ruso, Ivan Drago). La diferencia es que aquí los que luchan, los robots, son espectaculares. A cambio, el guion no se exige demasiado ni con los personajes ni con la historia. Está basado en un relato corto de los años cincuenta, «Steel», que luego se adaptó en un episodio de la fantástica La dimensión desconocida.

El protagonista es Dakota Goyo (os sonará por ser el joven Thor), un niño de 11 años que acapara la pantalla, da lecciones a su padre y es, como poco, un superdotado (como en las películas de los ochenta, donde los niños eran los más listos y siempre tenían razón). Hugh Jackman (famoso por X-Men o por la excelente El truco final) es el padre irresponsable, un exboxeador que podría haberlo tenido todo pero es incapaz de asumir responsabilidades, lo que lo convierte en un perdedor. El actor cumple a la perfección; el papel parece hecho a su medida. Evangeline Lilly (Perdidos) es su novia: aporta sensibilidad y sonrisa, aunque llora demasiado. Con un personaje bastante confuso, resulta aceptable.

Básicamente veréis peleas de robots en diferentes contextos, acompañadas de una historia de relación entre padre e hijo, de superación personal y de luchar por lo que uno quiere. Tiene ese toque Spielberg de ir a por la lagrimilla fácil y de película sin pretensiones que se puede ver muchas veces. Pero lo que realmente destaca son unos combates de boxeo entre robots espectaculares.

Velo si quieres saber qué pasa cuando se combinan boxeo y robots: en ese apartado no decepciona. Además, es entretenida y fácil de ver, siempre que no se sea demasiado exigente. Abstenerse cinéfilos alérgicos a los productos de Hollywood.

Recomendable y entretenida.

¿Qué tenemos?

• Una película de espías israelí adaptada a las tendencias americanas.
• Actores en plena ebullición: Jessica Chastain (sin palabras en El árbol de la vida) y Sam Worthington (Avatar, donde el 3D tiene sentido).
• Actores consolidados: Helen Mirren (divertidísima en R.E.D.) y Tom Wilkinson (miradlo en RocknRolla).
• Dos líneas temporales, 1964 y 1997, en las que se desarrolla la película, y muchos flashbacks.
• Un poco de acción, un poco de suspense.
• Un guion interesante al comienzo.

¿Qué no tenemos?

• Un guion interesante al final.
• Unas actuaciones estelares (cumplidoras en el mejor de los casos).
• Una historia consistente.

¿Cuál es el resultado?

Una película ambiciosa que solo llega a entretenida. Los primeros 20 minutos son prometedores y establecen una trama que engancha. Ahora bien, a medida que se desarrolla la historia falta profundidad tanto en las situaciones como en los personajes. Tiene momentos interesantes (la tensión compartida entre Rachel y el doctor Vogel en la clínica), pero poco más. A partir de ahí la historia flaquea. De los personajes se espera una mente fuerte (¡son agentes secretos del Mossad!), pero se debilitan al primer encuentro con el doctor sádico. Además, la película dice poco de sus crímenes. Es fácil relacionarlo con el doctor Mengele, representado en Los niños del Brasil, pero aquí cuesta empatizar con el rechazo que sienten los personajes hacia él por la falta de profundidad del personaje. Eso resta realismo a la historia. Otro flanco débil es la desvinculación de los personajes de 1964 con los de 1997. Físicamente los actores no se parecen y ni siquiera tienen gestos propios que los identifiquen. Solo se mantiene una herida en la cara de Rachel (probablemente simboliza la carga de la deuda). Aun así, la película tiene dosis de acción, momentos de suspense y escenas resultonas que la hacen entretenida. Gira en torno a una deuda que tienen los tres personajes desde la misión descrita en el libro. Ver cómo ha condicionado sus vidas y cómo la han asimilado puede hacer interesante la película. Pero la poca profundidad del guion no permite conectar con los personajes y deja flancos abiertos en la historia.

Velo si la ponen en la tele, si ves todas las películas de espías o si eres fan de la original o de alguno de los actores. No esperes gran cosa, pero distrae. Mucho más trabajadas, en el género de espías, son El topo o Múnich.

Entretenida.